Musikk er en betydelig del av verdenskulturen, uten den ville vår verden vært mye fattigere. Musikkkultur er et middel for personlighetsdannelse, den bringer frem en estetisk oppfatning av verden i en person, hjelper til med å erkjenne verden gjennom følelser og assosiasjoner til lyder. Det antas at musikk utvikler hørsel og abstrakt tenkning. Tilegnelse av lydharmoni er like nyttig for musikk som matematikk. La oss snakke om hvordan dannelsen og utviklingen av musikalsk kultur fant sted og hvorfor folk trenger denne kunsten.
konsept
Musikk spiller en spesiell rolle i menneskelivet, siden antikken har lyder fascinert mennesker, fordypet dem i transe, bidratt til å uttrykke følelser og utvikle fantasi. Kloke mennesker kaller musikk et speil av sjelen, det er en form for følelsesmessig kunnskap om verden rundt. Derfor begynner musikalsk kultur å danne seg ved begynnelsen av dannelsen av menneskeheten. Hun følger med osssivilisasjonen helt fra begynnelsen. I dag betyr begrepet "musikalsk kultur" helheten av musikalske verdier, systemet for deres funksjon i samfunnet og måtene for deres reproduksjon.
I tale brukes dette begrepet på lik linje med synonymer som musikk eller musikkkunst. For et individ er musikalsk kultur en integrert del av generell estetisk utdanning. Det danner smaken til en person, hans indre, individuelle kultur. Kunnskapen om denne typen kunst har en transformativ effekt på en persons personlighet. Derfor er det så viktig å mestre musikk fra barndommen, å lære å forstå og oppfatte den.
Teoretikere mener at musikalsk kultur er en kompleks helhet, som inkluderer evnen til å navigere i stiler, sjangere og retninger for denne kunstformen, kunnskap om musikkens teori og estetikk, smak, emosjonell respons på melodier, evnen å trekke ut fra lyd semantisk innhold. Dette komplekset kan også inkludere både prestasjons- og skriveferdigheter. Den kjente filosofen og kunstteoretikeren M. S. Kagan mente at musikalsk kultur kan kjennetegnes ved en individuell dimensjon, dvs. nivået til et individ, dets kunnskap, ferdigheter innen denne kunsten, samt et gruppenivå som er knyttet til visse subkulturer og alderssegmenter av samfunnet. I sistnevnte tilfelle snakker forskeren om musikalsk utdanning og utvikling av barn.
Musikkfunksjoner
Et så komplekst og viktig kunstfenomen som musikk er ekstremt nødvendig for både et individ og samfunnet som helhet. Dette er kunstutfører en rekke sosiale og psykologiske funksjoner:
1. Formativ. Musikk er involvert i dannelsen av den menneskelige personlighet. Dannelsen av den musikalske kulturen til et individ påvirker hans utvikling, smak og sosialisering.
2. Kognitiv. Gjennom lyder formidler mennesker sensasjoner, bilder, følelser. Musikk er en slags refleksjon av verden rundt.
3. Pedagogisk. Som enhver kunst er musikk i stand til å danne visse, rent menneskelige egenskaper hos mennesker. Det er ikke forgjeves at det er et synspunkt om at evnen til å lytte og lage musikk skiller en person fra et dyr.
4. Mobilisering og ringing. Musikk kan stimulere en person til handling. Det er ikke forgjeves at det er marsjerende melodier, arbeidssanger som forbedrer aktiviteten til mennesker, dekorerer den.
5. Estetisk. Likevel er kunstens viktigste funksjon evnen til å gi glede til en person. Musikk gir følelser, fyller menneskers liv med åndelig innhold og gir ren glede.
Struktur av musikalsk kultur
Som et sosi alt fenomen og en del av kunsten er musikk en kompleks enhet. I vid forstand er strukturen kjennetegnet ved:
1. Musikalske verdier produsert og kringkastet i samfunnet. Dette er grunnlaget for musikalsk kultur, som sikrer kontinuiteten til historiske epoker. Verdier lar deg forstå essensen av verden og samfunnet, de er åndelige og materielle og realiseres i form av musikalske bilder.
2. Ulike aktiviteter forproduksjon, lagring, kringkasting, reproduksjon, oppfatning av musikalske verdier og verk.
3. Sosiale institusjoner og institusjoner involvert i ulike typer musikalske aktiviteter.
4. Personer som er involvert i opprettelse, distribusjon, fremføring av musikk.
I en snevrere forståelse av komponisten D. Kabalevsky er musikalsk kultur synonymt med begrepet "musikalsk literacy". Det manifesterer seg, ifølge musikeren, i evnen til å oppfatte musikalske bilder, dekode innholdet og skille gode melodier fra dårlige.
I en annen tolkning forstås fenomenet som studeres som en viss generell egenskap ved en person, uttrykt i musikalsk utdanning og musikalsk utvikling. En person må ha en viss lærdom, kjenne til et visst sett med klassiske verk som former hans smak og estetiske preferanser.
Music of the Ancient World
Musikkulturens historie begynner i antikken. Dessverre er det ingen bevis for musikken deres fra de aller første sivilisasjonene. Selv om det er åpenbart at det musikalske akkompagnementet av ritualer og ritualer eksisterte fra de aller første stadiene av eksistensen av det menneskelige samfunn. Forskere sier at musikk har eksistert i minst 50 000 år. Dokumentarbevis på eksistensen av denne kunsten vises siden tiden til det gamle Egypt. Allerede på den tiden var det et omfattende system av musikalske yrker og instrumenter. Melodier og rytmer fulgte mange typer menneskelig aktivitet. I detgang dukket det opp en skriftlig form for innspilling av musikk, som gjør det mulig å bedømme lyden. Fra tidligere epoker var det bare bilder og rester av musikkinstrumenter igjen. I det gamle Egypt var det åndelig musikk som fulgte med utførelsen av kulter, i tillegg til å ledsage en person i arbeid og hvile. I denne perioden vises musikk for første gang for å bli lyttet til for estetiske formål.
I kulturen i det antikke Hellas når musikken sin høyeste utvikling for denne historiske perioden. Ulike sjangre dukker opp, instrumenter forbedres, selv om vokalkunst råder på denne tiden, skapes det filosofiske avhandlinger som forstår essensen og formålet med musikk. Musikkteater dukker opp for første gang i Hellas som en spesiell type syntetisk kunst. Grekerne var godt klar over kraften i musikkens innvirkning, dens pedagogiske funksjon, så alle frie borgere i landet var engasjert i denne kunsten.
Middelalderens musikk
Etableringen av kristendommen i Europa har påvirket musikkkulturens trekk betydelig. Det er et stort lag med verk som tjener religionsinstitusjonen. Denne arven kalles åndelig musikk. Nesten hver katolske katedral har orgler, hver kirke har et kor, som alle gjør musikk til en del av den daglige tilbedelsen av Gud. Men i motsetning til åndelig musikk dannes det en folkemusikalsk kultur, den kommer til uttrykk for karnevalsprinsippet, som M. Bakhtin skrev om. I løpet av senmiddelalderen ble sekulær profesjonell musikk dannet, den ble skapt ogdistribuert av trubadurer. Aristokratiet og ridderne blir kunder og forbrukere av musikk, mens de ikke nøyde seg med verken kirke- eller folkekunst. Slik fremstår musikk som gleder øret og underholder folk.
Renaissance Music
Med overvinnelsen av kirkens innflytelse på alle aspekter av livet, begynner en ny æra. Idealene for denne perioden er gamle prøver, derfor kalles epoken renessansen. På dette tidspunktet begynner musikkkulturens historie hovedsakelig å utvikle seg i en sekulær retning. Under renessansen dukket det opp nye sjangre som madrigal, korpolyfoni, chanson, koral. I denne perioden dannes nasjonale musikalske kulturer. Forskere snakker om fremveksten av italiensk, tysk, fransk og til og med nederlandsk musikk. Verktøysystemet i denne historiske perioden er også under endringer. Hvis orgelet tidligere var det viktigste, nå ligger strengene foran det, vises flere typer fioler. Typen keyboard har også blitt betydelig beriket med nye instrumenter: klavikord, cembalo, cembalos begynner å vinne kjærligheten til komponister og utøvere.
barokkmusikk
I løpet av denne perioden får musikk en filosofisk klang, blir en spesiell form for metafysikk, melodi får spesiell betydning. Dette er tiden for store komponister, i denne perioden arbeidet A. Vivaldi, J. Bach, G. Handel, T. Albinoni. Barokktiden var preget av fremveksten av kunst som opera, også på denne tiden ble oratorier, kantater, toccataer, fuger, sonater og suiter skapt for første gang. Det er åpningstidkomplikasjon av musikalske former. Men i samme periode er det en økende oppdeling av kunst i høy og lav. Folkemusikalsk kultur er atskilt og ikke tillatt i det som i neste tid vil bli k alt klassisk musikk.
Music of classicism
Luksuriøs og overflødig barokk er erstattet av streng og enkel klassisisme. I løpet av denne perioden blir kunsten musikk endelig delt inn i høye og lave sjangere, kanoner etableres for hovedsjangre. Klassisk musikk har blitt kunsten til salonger, aristokrater, det gir ikke bare estetisk nytelse, men underholder også publikum. Denne musikken har sin egen, nye hovedstad - Wien. Denne perioden er preget av utseendet til genier som Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven, Joseph Haydn. I klassisismens tid ble sjangersystemet for klassisk musikk endelig dannet, slike former som konserten og symfonien dukket opp, og sonaten ble fullført.
På slutten av 1700-tallet ble romantikkens stil dannet i klassisk musikk. Den er representert av slike komponister som F. Schubert, N. Paganini, senere romantikk ble beriket med navnene F. Chopin, F. Mendelssohn, F. Liszt, G. Mahler, R. Strauss. I musikk begynner lyrikk, melodi og rytme å bli verdsatt. I denne perioden ble det dannet nasjonale komponistskoler.
Slutten av 1800-tallet var preget av anti-klassiske følelser i kunsten. Impresjonisme, ekspresjonisme, nyklassisisme, dodekafoni dukker opp. Verden står på terskelen til en ny æra, og dette gjenspeiles i kunsten.
Musikk 20århundre
Det nye århundret begynner med proteststemninger, musikken gjennomgår også revolusjonerende endringer. Etter første verdenskrig ser komponister til fortiden for inspirasjon, men de ønsker å gi gamle former en ny klang. Tiden for eksperimenter begynner, musikken blir veldig mangfoldig. Klassisk kunst er assosiert med så store komponister som Stravinsky, Shostakovich, Bernstein, Glass, Rachmaninov. Begrepene atonalitet og aleatorikk dukker opp, noe som fullstendig endrer ideen om harmoni og melodi. I løpet av denne perioden vokser demokratiske prosesser i musikalsk kultur. Variasjon dukker opp og fanger oppmerksomheten til allmennheten, senere er det en protestmusikalsk bevegelse som rock. Slik dannes en moderne musikalsk kultur, preget av et mangfold av stiler og trender, en blanding av sjangere.
Musikkulturens nåværende tilstand
På slutten av det 20. – begynnelsen av det 21. århundre går musikk gjennom et stadium av kommersialisering, det blir en mye replikert vare, og dette reduserer kvaliteten betraktelig. I løpet av denne perioden utvides instrumentenes muligheter betydelig, elektronisk musikk dukker opp, digitale instrumenter med tidligere usynlige uttrykksressurser. Eklektisisme og polystilisme dominerer i akademisk musikk. Moderne musikkkultur er et stort lappeteppe der avantgarde, rock, jazz, nyklassisistiske trender og eksperimentell kunst finner sin plass.
Russisk folkemusikkhistorie
OriginsRussisk nasjonalmusikk må søkes i det gamle Russlands tid. Det er mulig å bedømme trendene i den perioden bare ved fragmentarisk informasjon fra skriftlige kilder. På den tiden var rituell og hverdagsmusikk utbredt. Siden antikken eksisterte profesjonelle musikere under kongen, men betydningen av folkloreverk var veldig stor. Det russiske folket elsket og visste hvordan de skulle synge, sjangeren til hverdagssang var den mest populære. Med fremkomsten av kristendommen ble russisk musikkkultur beriket med åndelig kunst. Kirkekorsang fremstår som en ny vokalsjanger. Imidlertid dominerte tradisjonell monofonisk sang i Russland i mange århundrer. Først på 1600-tallet tok en nasjonal tradisjon for polyfoni form. Siden den gang har europeisk musikk kommet til Russland, med sine egne sjangere og instrumenter, og differensieringen til folkemusikk og akademisk musikk begynner.
Folkemusikken ga imidlertid aldri opp sine posisjoner i Russland, den ble en inspirasjonskilde for russiske komponister og var svært populær blant både vanlige mennesker og aristokratiet. Det kan sees at mange klassiske komponister vendte seg til folkemusikalsk bagasje. Så, M. Glinka, N. Rimsky-Korsakov, A. Dargomyzhsky, I. Tchaikovsky brukte folkloremotiver mye i sine verk. I løpet av den sovjetiske perioden var folkloremusikk etterspurt på statlig nivå. Etter Sovjetunionens sammenbrudd sluttet folkloremusikken å tjene ideologien, men forsvant ikke, men tok sitt eget segment i landets generelle musikalske kultur.
russisk klassisk musikk
På grunn av det faktum at ortodoksien i lang tid innførte et forbud mot utvikling av sekulær musikk, utvikler akademisk kunst seg i Russland ganske sent. Fra og med Ivan the Terrible bodde europeiske musikere ved det kongelige hoff, men det fantes ingen egne komponister ennå. Først på 1700-tallet begynte den russiske komponistskolen å ta form. Imidlertid var musikere i lang tid påvirket av europeisk kunst. En ny æra av musikalsk kultur i Russland begynner med Mikhail Glinka, som regnes som den første russiske komponisten. Det var han som la grunnlaget for russisk musikk, som hentet temaer og uttrykksfulle midler fra folkekunst. Dette har blitt et nasjon alt særtrekk ved russisk musikk. Som i alle livets sfærer har vestlendinger og slavofile utviklet seg innen musikk. Førstnevnte inkluderte N. Rubinshtein og A. Glazunov, og sistnevnte inkluderte komponistene av The Mighty Handful. Men til slutt vant den nasjonale ideen, og alle russiske komponister har i ulik grad folkloremotiver.
Høydepunktet i den førrevolusjonære perioden med russisk musikk er verket til P. I. Tsjaikovskij. På begynnelsen av 1900-tallet ble revolusjonære endringer reflektert i musikalsk kultur. Komponister eksperimenterer med former og uttrykksfulle virkemidler.
Den tredje bølgen av russisk akademisk musikk er assosiert med navnene til I. Stravinsky, D. Shostakovich, S. Prokofiev, A. Scriabin. Sovjettiden ble mer en tid for utøvere enn for komponister. Selv om fremragende skapere dukket opp på den tiden: A. Schnittke, S. Gubaidulina. Etter Sovjetunionens sammenbrudd,akademisk musikk i Russland har nesten blitt fullført.
Populær musikk
Musikkultur består imidlertid ikke bare av folkemusikk og akademisk musikk. På 1900-tallet inntok populærmusikk, spesielt jazz, rock and roll, popmusikk en fullverdig plass i kunsten. Tradisjonelt anses disse retningene som "lave" sammenlignet med klassisk musikk. Populærmusikk dukker opp med dannelsen av massekultur, og den er designet for å tjene massenes estetiske behov. Variasjonskunst i dag er nært knyttet til konseptet showbusiness, det er ikke lenger en kunst, men en industri. Denne typen musikkproduksjon fyller ikke den pedagogiske og formative funksjonen som ligger i kunsten, og det er nettopp dette som gir teoretikere grunn til ikke å ta hensyn til popmusikk når de vurderer musikkkulturens historie.
Formasjon og utvikling
Ifølge eksperter innen pedagogikk, bør dyrking og oppdragelse av musikalsk kultur begynne fra selve fødselen av en person, og selv under prenatal dannelse. Dette bidrar til utviklingen av intonasjonshøringen til barnet, bidrar til hans emosjonelle modning, utvikler figurativ og abstrakt tenkning. Men hvis et barn opp til 3 år hovedsakelig kan lytte til musikk, kan han senere læres å opptre og til og med komponere. Og fra en alder av 7 anbefaler eksperter å starte musikkteoriopplæring. Dermed lar dannelsen av grunnlaget for musikalsk kultur barnet utvikle en allsidig, fullverdig personlighet.
